Villa Savoye - 'a machine for living"

For 1929, a picture with a building like this was like Casa Milla for the people from Barcelona (strange). Villa Savoye was close to be "out"of "space", with a look that can be easily sensitive for the conservative eyes. Today all of the masters ( Corbusier) projects are a real leading testimony for a visionaries capacity and still proves how a genius was able to maintain such high standards for architecture.

Following the "skin and bone" description, the project was build in order to prove an avantgarde and to make future possible. Corbusier made this project the door to the modern architecture, a reaction to the new age machine. The house single handedly transformed Le Corbusier's career as well as the principles of the international style, becoming one of the most important architectural precedent in history.

Villa Savoye's detachment from its physical context lends its design to be contextually integrated into the mechanistic-industrial context of the early 20th century, conceptually defining the house as a mechanised entity. 

Le Corbusier is famous for standing "The house is a machine for living". This statement is not simply translated into the design of a human scaled assembly line, rather the design begins to take on innovative qualities and advances found in other fields of industry, in the name of efficiency. And by efficiency THE FIVE POINTS OF ARCHITECTURE:

Pilotis (slender columns)

Flat roof terrace

Open space

Ribbon Windows

Free Facade (free of structural members)

In response to his aspirations of mechanised design, Le Corbusier established "The five points" of architecture, which is simply a list of prescribed elements to be incorporated in design. This five points can be also though of as Le Corbusier's modern interpretation of Vitrivius "Ten Book on Architecture, not literally in the sense of an instructional manual for architects, but rather necessary components in design. So much so that Villa Savoye is tailored to Corbusier's Five Points.

The general aspect of the project is that once you are inside you have the felling of more spaces in one, that are moving towards a communal architectural behaviour. 

Disney´s Hollywood Studios un mundo Art Deco

Disney´s Hollywood Studios sumerge a los visitantes en el glamour del mundo del espectáculo 365 días al año con escalofriantes atracciones, entretenimiento atmosférico de primera categoría, increíbles espectáculos estilo Broadway y facilidades interactivas de producción para, televisión, radio, y animación con calidad excepcional.

¡Luces... Cámara... Acción! Que comience la función en los Disney´s Hollywood Studios, donde los visitantes de todas las edades son sumergidos en la ostentación, glamour y entusiasmo del mundo del espectáculo inspirado en el movimiento popular art deco.      

                                                                                                                                                      Paseando por Hollywood Boulevard, rodeados de los lugares, sonidos y personalidades del Hollywood de los años 30; observando como los clásicos de Disney son llevados a la vida a través de la magia de la animación y recreacióndeescenarios. 

Cuando los visitantes de Disney´s Hollywood Studios pasan por los torniquetes de entrada se encuentran con Hollywood Boulevard, la calle principal del parque. Una caminata por este mágico boulevard lleva a los visitantes a la era dorada de Hollywood borrando las líneas que dividen a la audiencia y a los actores -- ¡los visitantes están rodeados por lugares y sonidos del mundo del espectáculo! Este gigantesco set, inspirado por los fabulosos años 30's y 40's, es un despliegue de luces de neon, art deco cromado y una arquitectura moderna aerodinámica. Tal y como se veía en las películas de antaño, "Detectives," "aspirantes a estrellas", "taxistas", "policías" y hasta el vendedor de recuerdos de las superestrellas, "Sid Cahuenga," pueden ser hallados rondando las calles.

Alrededor de la esquina, Sunset Boulevard hace tributo al glamoroso distrito del teatro en toda su gloria. También incluye un área de compras con regalos basados en las películas y personajes clásicos
La "re-creación" a gran escala del famoso Teatro Chino de Los Angeles es la entrada a una de las atracciones más elaboradas de Disney. The Great Movie Ride muestra el encanto, el romance, el suspenso, la intriga y los tiroteos de algunos de los momentos cinematográficos más memorables de la historia del cine.
El patio del Chinese Theater presenta las huellas de las manos de numerosas estrellas del mundo del espectáculo que han visitado los estudios, incluyendo a Alan Alda, Lauren Bacall, Robin Williams, Charlton Heston, Samuel L. Jackson, Sylvester Stallone, Bette Midler y Tom Cruise.
Disney´s Hollywood Studios ha duplicado su tamaño desde que se inauguro en 1989 y continua expandiéndose con nuevas y emocionantes atracciones, espectáculos al estilo Broadway, y experiencias detrás de las escenas. 

Comentario :

Disney como ya sabemos es un lugar de fantasía y cada parque tiene una temática, antes no me había dado cuenta que este parque se inspiraba en el arte deco , si sabía que iba por el lado de las películas ,la época dorada del cine y animación pero al mirar y detallar  la arquitectura del lugar podemos ver que sus edificios inspirados en esta generación . Podemos ver que  al anochecer  se enciende esta recreación de ciudad con las luces neón sobre las edificaciones y que les dan vida y rodean. Todo el lugar podría ser un legado del arte deco ya que desde la entrada hasta los postes de luz transportan a los años 30 y si acercamos un poco podemos ver que hasta la tipografía sin serifa empleada en los edificios es la misma que se usaba.

Casa bloc ,casa fantasma

Los obreros del barrio industrial de Sant Andreu todavía vivían en barracas de condiciones ínfimas cuando se construyó la Casa Bloc. Un gran edificio de más de 200 viviendas, donde los arquitectos racionalistas Josep Lluís Sert, Joan Baptista Subirana y Josep Torres Clavé soñaron con formas limpias, entornos higiénicos y un ambiente sociable y asequible en el que ser feliz.  

Era 1933 y la Guerra Civil truncó el proyecto de la GATCPAC. La obra se cambió estructural mente y, en lugar de obreros, fueron a vivir allí familias de militares.          El Disseny Hub Barcelona acaba de musealizar uno de los pisos de la Casa Bloc.

Retorno a su aspecto inicial ,la  iniciativa del piso-museo, una de las pioneras en el Estado español, ha devuelto a la Vivienda 1/11 su aspecto inicial, que había ido perdiendo la esencia con el paso del tiempo y de sus habitantes. La Guerra Civil truncó el proyecto de la GATCPAC: La obra se cambió estructural mente y, en lugar de obreros, fueron a vivir allí familias de militares. La restauración y musealización que se han hecho para lograrlo ha incluido la reparación y restitución de la estructura y diseño primigenios de la vivienda.

La distribución interna de la Vivienda 1/11 es muy diáfana y diferencia claramente la parte pública de la más íntima y privada. Los arquitectos evitaron situar ningún elemento innecesario que pudiera dar un aspecto pretencioso. Es por este motivo que decidieron obviar los espacios perdidos para considerarlos innecesarios y no contar con los patios de luces, dirigiendo todos los aposentos hacia el exterior. 

Dado que las viviendas de la Casa Bloc fueron ideadas para aprovechar al máximo la luz natural, la terraza está orientada en este caso hacia el este, para poder recibir luz solar durante más horas y conseguir una incidencia directa sobre el interior del piso. Tres persianas enrollables preservan la intimidad y regulan la entrada directa de los rayos.        La escalera se convierte en uno de los elementos principales de la Vivienda 1/11, dado que funciona como distribuidor de la planta superior del piso. Formada de escalones de tipo italiano, barandilla de hierro y tubos de diferentes diámetros, esta escalera tiene un especial interés debido a su sencillez y austeridad, uno de los denominadores comunes del proyecto de la Casa Bloc.En la restauración, la propuesta de mobiliario se ha planteado de acuerdo con el ideario del GATCPAC, basado en la practicidad y la simplicidad armoniosa. Es por este motivo que se ha dotado la vivienda de muebles prácticos, estéticamente honestos y realistas en cuanto a su utilidad. En esta foto aparece la mesa de comedor diseñada por el arquitecto húngaro Marcel Breuer, uno de los maestros del movimiento moderno, y las sillas B 751.

 Comentario

“El bloque fantasma” llamado así por años ya que estuvo abandonado por un tiempo haciendo que un  piezas de arquitectura ejemplares no se le diera la importancia que tenía ,es interesante la renovación y conmemoración que se le dio a este lugar ,haciendo que los esfuerzos e ideas que se tenía planteado para este plan urbanístico y espacio se tuviera en cuenta.Hoy, por ejemplo, podemos celebrar la última etapa de restauración del ámbito urbano de la Casa Bloc de Sant Andreu, el conjunto residencial construido justo antes de la Guerra Civil por la Casa Obrera de la Generalitat  un proyecto de los arquitectos del GATCPAC que fue la construcción de la vivienda de la autónoma  y, al mismo tiempo la nueva arquitectura. 

EL BALLET TRIÁDICO DE SCHLEMMER

El pintor alemán Oscar Schlemmer (1888-1943) fue uno de los profesores más destacados de la Bauhaus entre los años 1921-1929.

Allí dirigió los talleres de pintura mural, escultura y talla. También fue director del Taller de Teatro desde 1923 hasta su disolución en 1929. Desde 1920 desarrolló figuras para el Ballet Triádico  que se estrenó en Stuttgart en 1922 y cosechó un gran éxito. No se trataba de ningún ballet en sentido tradicional, sino de una combinación de danza, vestuario, pantomima y música; los bailarines iban vestidos como figurines “geométricos”.

El título “triádico” derivaba de la palabra tríade, es decir, triple.  Y es que era una danza en tres partes, con tres bailes de carácter diferente, que oscilaban entre lo jocoso y lo serio: la sinfónica “danza de la trinidad” en doce escenas de danza con uno, dos, o tres bailarines; la alegría burlesca de la “serie amarilla”; el ambiente festivo de la “serie rosa” y por último, lo místico-heroico de la “serie negra”.

El Ballet Triádico era, en realidad una anti-danza, una especie de “constructivismo coreográfico” como sólo podía ser imaginado por un pintor o un escultor. Ya no era el cuerpo humano y sus movimientos el punto de partida y fuente de expresión, sino determinadas invenciones figurativas; el traje-disfraz dominaba la actuación. Esta estela "automática" comenzada por Schlemmer, fue continuada por sus alumnos, que acentuaron la mecanización y automatización en los diseños escenográficos. Sirvan como ejemplo el “cabaret mecánico” que fue estrenado en la Semana Bauhaus, y un “Ballet mecánico” que también se representó. Buscaban reflejar el espíritu de los tiempos.  Querían dar cabida en el ballet a las posibilidades expresivas de la era mecánica en la que vivían.  La indumentaria se basaba en las formas geométricas básicas: círculos, triángulos, cuadrados, rectángulos, trapecios y en los colores básicos: amarillo, rojo y azul.

Por último, hay que recordar que aparte de Schlemmer, Moholy Nagy y Kandinsky también se involucraron en actividades ligadas al teatro y la danza. Así, Kandinsky diseñó la escenografía de "Cuadros de una exposición" de Mussorgski en 1928.
En definitiva, el teatro era el “arte total” de la Bauhaus, pura síntesis entre todas las artes: arquitectura, pintura, escultura, música, baile, indumentaria y poesía.

 Comentario : 

Los vestuarios llaman la atención por ser grandes figuras geométricas que a un ritmo se van moviendo, estas figuras me parecen algo curiosas y diferentes ,que llaman mucho la atención, pienso que si en este momento causan cierto  tipo de curiosidad , ni imaginar cómo la gente las veía en esa época.                                                                                       Se puede ver que las formas de vida que se estaban viviendo “racionalismo” afecta hasta el baile  creando una danza algo conceptual y rectilínea haciendo una estética entre la forma y el movimiento.

Algo curioso es el uso del número tres en todas sus composiciones, desde los personajes, el rito y su escenario. Siendo el 3 un número muy usado por muchas culturas en diferentes tipos de tópicos como mitología, religión ,política ,misticismo etc.  ,además es un número que encierra cierta energía de armonía y perfección que permitía representar un concepto ,donde todo el conjunto como ,color ,vestuario, espacio y geometría hacen una construcción mental mediante el ritmo que despierta interés a la vista.

" Design for life " from my point of view

Design for life was for me personally, a great experience. I did not have the opportunity so far to see a design exhibition that solves real problems that are related to health and the quality of life rather than just personal confort. Another important element was the fact that I had the opportunity to be guided by the curator of the exhibition himself and I could directly ask all my questions. As he mentioned ( which was an utterly important detail ), the exhibition was really well explained: videos, lots of photographs and text, all very well lighted. I agree on that because I could make a comparison between Design for life and the other exhibition held in the same museum, that were sometimes really vague and did not let you, as a viewer, understand the concept behind the product.  The installations were versatile,  thought to match the theme of the exhibition, being modular, so you could actually turn them into something else, carry them easily, so you could basically have good looking units, extremely useful and very cheap. They were thinking even about the process of printing directly on the units, which means reducing the cost of printing on vinyl.

In my opinion it’s really important to come up with a COHERENT exhibition that truthfully respects the general idea, theme and concept of the pieces that you want to exhibit. This also means RESPECT for the designers and their work, but also for the people that are going to use the products. Regarding this exhibition, a key factor was to make also a wake up call for the society: once the viewer sees the design products, they get to know the story behind, so their awareness increases and they can actually get involve in maybe solving some of the problems or at least try to avoid them. We all know that most of the times we are responsible for what is happening to us, good or bad, so by being more conscious about the decisions we have to make is a good begining. In this sense, I see the exhibition as a cornerstone in solving some of the actual and future problems.

All in all, the person gathering the team of designers and their products made a big step, the designers that were really involved in the process constructed the path and the viewer can actually follow the path and together they can continue the journey towards a better future. This is what Design for life made me experience along with the wish to go back and allocate more time to each of the products exhibited.  

Eames Fiberglass Chairs, 1948

Eames FIberglass Chairs


Last wednesday we visited an exhibition called "Del mundo al museo. Diseño de producto, patrimonio cultural" in the Museu del DIsseny Barcelona. In this exhibition we could see several product designs that are revolutionary in their own way. This is why, when we needed to write about something in this blog I kept thinking of a product that changed the way of thinking of a lot of people, a product that was revolutionary, THE EAMES FIBERGLASS CHAIR.

On October 23, 1947, a dinner was held at the Rainbow Room in Manhattan. Attended by various leaders of the United States furniture industry, and presided over by Nelson A. Rockefeller, President of the Museum of Modern Art, the event announced the International Competition for Low-Cost Furniture Design, which  was in collaboration with furniture retailers like Herman Miller, who agreed to produce the winning designs commercially. Various addresses were given that evening that highlighted the need for well-designed, moderately priced furnishings for the vast majority of people; furnishings that could be easily moved, stored and cared for, thus meeting the demand of modern living.

On January 18, 1949, they presented awards to the winners of the International Low-Cost Furniture Competition. Charles Eames and Ray Eames along with the University of California, Los Angeles, was announced as the second prize winner for seating units. The chair which was awarded the second prize was stamped steel, not fiberglass. The shell chair is believed to have been awarded a prize because of its thoroughly inventive base system. This system allowed for the shell to be utilized in a variety of different environments, be it in home of office life, seamlessly able to suit the needs of the consumer with the selection of the appropriate base type, and choice of arm or side chair. No other submission included such customizable variations.

“Early” 1949, In keeping with the Eameses constant striving to improve their designs, Charles sought out a change in production method. The re-examining of materials met the concerns of Herman Miller as far as production costs were concerned, as the price of steel molding was quite costly. Additionally, the original steel molded chairs had possibility of rusting after time and, additionally, were cold to the touch. So Charles, went to the workshop of John Wills, a noted fiberglass manufacturer and boat builder. In 1947 Wills had developed a manufacturing technique which allowed for fiberglass to cure at room temperature, eliminating the need for heat and pressure to be involved the process. Charles asked John to produce a fiberglass shell from his model.

Charles now had a prototype made out of fiberglass, now his concerns revolved around the possible issues that might arise with fiberglass production of his design, mainly in how to adhere the base to the shell, and how to treat the edge. Charles wanted to ensure a seamless design by incorporating a radius edge. These issues were resolved with the adherence of “buttons” to the shell with epoxy adhesives where the base met which allowed for it to be screwed in and secured. And Through the years, color and height options, shock mounts, base variations, and choices of upholstery have redoubled, making the chair not only easily reproducible but also highly customizable. 

INTERESTING LINK

http://www.hermanmiller.com/why/shell-shorts.html

https://www.youtube.com/watch?v=zfzLzOl795E

Jean Baudrillard, "The System of Objects"

After visiting the Casa Bloc and the Design Museum of Barcelona, I wanted to write an article about this book that I read, treating of how society made furniture and interior design evolve in Europe after the 30’s. 

Jean Baudrillard was a French sociologist, philosopher, cultural theorist, political commentator, and photographer. His work is frequently associated with postmodernism and specifically post-structuralism, he was best known for his analyses of the modes of mediation and technological communication, mostly concerned with the way technological progress affects social change.

« The system of objects » is the first major work of the sociologist. Published in 1968, this essay takes note of habitat changes in society and focuses on the furnishing of middle class housings and livings, in full shambles developing at that time.

The author questions the new direction that the objects of everyday life are taking in the context of postmodern societies. In this sense, it foreshadows the birth of the consumer society two years later.

For him, the furniture that adorn middle class homes have evolved in a way that made them lose their traditional role of supports of bourgeois morality: it no longer enshrines in solid wood and the heavy lines of tables and cabinets of old times. The materials are changing in favor of glass and colors in favor of white, especially in the bathroom, a place for the cleanliness of the body.

These observations allow Jean Baudrillard to launch a reflection on everyday objects. He observes that they no longer find meaning in their primary purpose, as had been the case for previous generations, but in their materiality, which is an innovation directly related to the modernization of the economy and society in Europe. 

Their industrial diffusion and their subjection to the versatile trends of fashion don't prevent them to form a coherent systemic set of signs from which it can develop the concept of consumption anymore.

Thus, the interiors become fundamentally flexible, to allow the householder to send a message to its guests: Its layout becomes an imperative which contributes to the quest of prestige.