JUGENDSTIL

La traducción literal de Jugendstil sería “estilo joven o de la juventud” y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (1819-1900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Al igual que sus contemporáneos de Bruselas y París, los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural que revelaban los avances en investigación científica y tecnológica. Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, por ejemplo, estaban directamente influenciados por los estudios fotográficos de estructuras vegetales de Karl Blossfeldt (1865-1932), que reflejaban un patrón de crecimiento helicoidal, y por los dibujos botánicos de Ernst Haeckel (1834-1919). Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil. Si este deseo de independencia artística fue un tema recurrente en las nuevas escuelas de Art Nouveau de otras ciudades europeas como Bruselas, Nancy, o incluso Glasgow, quizá fuera más evidente en Alemania.

DESARROLLO

Los diseñadores del Jugendstil estuvieron más cerca que sus contemporáneos asociados al Art Nouveau de salvar la distancia existente entre la “manufacturación artística” y la producción industrial. Se crearon numerosos talleres para producir sus diseños reformados, entre los que cabe destacar los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para Artistas Artesanos) en 1897 y los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst (Talleres de Dresde para Artistas Artesanos) en 1898. Estas empresas se crearon con la intención de producir artículos para el hogar usando métodos éticos de fabricación. Los objetos creados en Dresde no estaban tan elaborados y, por lo tanto, eran más baratos que los fabricados en Munich, pero seguían estando fuera del alcance del bolsillo de la familia media.

Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales en los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst tuvo una gran influencia y contribuyó a la fundación del Deutscher Werkbund.

Los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, fundados en Munich por Bruno Paul entre otros, también desempeñaron un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. Bruno Paul diseñó audaces caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus, que, como la revista Jugend o Pan, popularizó la nueva estética.

El estilo lineal de Bruno Paul también fue empleado por el diseñador de Munich Bernhard Pankok, cuya Casa Lange en Tubinga (1902) estaba concebida como Gesamtkunstwerk (1). Es edificio estaba inspirado en el tradicionalismo, como también lo estaban los interiores del Jugendstil, que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad. En Darmstadt, la causa del Jugendstil contó con el mecenazgo del gran duque Ernst Ludwig de Darmstadt-Hesse, impulsor de la Exposición de 1901 “Ein Dokument Deutscher Kunst” (Un documento del arte alemán). La exposición celebraba los logros artísticos de la Darmstädter Künstlerkolonie (Colonia de los Artistas de Darmstadt), creada con los fondos privados del gran duque en 1899. La Darmstädter Künstlerkolonie comprendía al principio ocho edificios, incluido el estudio Casa del Arte Decorativo de Josef Maria Olbrich (del Secession vienés), y siete residencias para artistas construidas para los miembros de la colonia. Ésta no sólo fue importante por el nuevo estilo arquitectónico cívico que promovió sino también por su apoyo a la fabricación de obras de arte.
En Weimar, la promoción del Jugendstil estuvo de igual forma impulsada por el orgullo cívico y por la necesidad económica a la vez, y también contó con un mecenazgo ducal. En 1860, el gran duque Karl Alexander de Sajonia-Weimar financió con capital privado la fundación de una Escuela de Arte en Weimar. En 1901 lo sustituyó su nieto, a quien el conde Harry Kessler persuadió para nombrar al arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde consejero artístico de su corte. El convencimiento de que una buena educación artística mejoraría la economía local fue la razón por la que Van de Velde recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese período, diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil, que destacaban por su sencillez formal.

La arquitectura y el diseño del Jugendstil a menudo aunaban la innovación estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual. La tendencia alcanzó su cenit en 1900, pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund, fundado en 1907 por un grupo de promotores, diseñadores, arquitectos y artistas, algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil.

Clase1_Philip Webb_La casa de William Morris

                                 
                                        Philip Webb

 Philip Speakman Webb

 (12  enero 1831 – 17 abril 1915) fue un arquitecto

 ingles a veces llamado el Padre de la Arquitectura 

Arts and Crafts. Nacido en Oxford, 

Webb estudió en Aynho en Northamptonshire y 

luego se dirigió a las empresas de

constructor-arquitectos en Wolverhampton y

Reading, Berkshire. Se mudó a Londres, 

donde finalmente se convirtió en un asistente

junior por George Edmund Street. Mientras que 

allí conoció a William Morris en 1856 y luego

comenzó su propio estudio en 1858. 

Es particularmente conocido como el 

diseñador de La casa Roja en Bexleyheath, 

el sureste de Londres en 1859 para William Morris. 

Webb y Morris forman una parte importante del movimiento Arts and Crafts, y fundaron la Sociedad para la protección de edificios antiguos en 1877.

OPINION PERSONAL:
 Dentro de este enorme movimiento artístico del Arts and Crafts la arquitectura también destaca. Pienso que al Webb haber diseñado la casa roja para Morris remarca como un diseño nuevo y moderno para la época como bien dicen muchos.

clase3_Gerrit Thomas Rietveld y De Stijl

Gerrit Thomas Rietveld (24 de junio de 1888 en Utrecht , Países Bajos – 25 de junio de 1964), fue carpintero, diseñador, arquitecto.

Hijo de ebanista aprendió el oficio en el taller de su padre.En 1918, Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En el verano de 1918 diseña la Silla Roja y Azul,aunque en un principio su acabado es en madera natural,no es hasta 1924 que influenciado por el movimiento De Stijl,del cual formaba parte desde1919,cambia el acabado de la misma por los colores que ahora conocemos,siendo además el año en que se graduaría como arquitecto. En 1919 empieza a colaborar con Truus Schröder - Schräder (interiorista) En 1923 participa en la exposición de arquitectura Stiljiana de L'Effort Moderne en París, y colabora con Vilmos Huzar en el diseño para la exposición de arte de Berlín. En 1924 proyectó junto Schröder su obra arquitectónica más conocida la Casa Rietveld Schröder, en Utrecht.La casa tiene una planta baja convencional,siendo radical la parte alta ,en la que las paredes son correderas,para poder modificar el espacio.El diseño parece una realización tridimensional de una pintura de Mondrian.

Rietveld rompió con el movimiento De Stijl en 1928 y se unió al Nieuwe Zakelijkheid. Ese mismo año se adhirió al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM).

En 1934 diseñó la silla Zig-Zag y comenzó el proyecto del Museo van Gogh en Ámsterdam.Proyecto del cual solo realizará bocetos,periodo muy implicado socialmente,sobre todo con su arquitectura social y tambień en el diseño de mobiliario barato y fácil de realizar (serie Krat). En 1951 diseña una exposición retrospectiva sobre el movimiento De Stijl en Ámsterdam, Venecia, Nueva York.En 1954 se realiza su primera exposición retrospectiva en el Centraal Museum dedicada a su arquitectura. Es considerado uno de los arquitectos más importantes de Holanda.

La Casa de Rietveld Schröder constituye tanto por dentro como fuera una ruptura radical con toda la arquitectura anterior. La casa de dos plantas se construye en el extremo de una manzana de viviendas, pero no hace ningún intento por relacionarse con las edificaciones del entorno.

Al interior no hay una acumulación estática de las habitaciones, sino una dinámica y cambiante zona abierta. La planta baja todavía se puede entender como tradicional, donde oscilando en torno a la escalera central se sitúan la cocina y tres dormitorios. El salón se sitúa arriba, como un ático, para satisfacer las exigencias del encargo; de hecho forma una gran zona abierta a excepción de un aseo y un baño. Rietveld quería dejar dicha planta tal cual, sin embargo la Sra. Schröder consideró que como espacio vividero debía ser utilizable en cualquier forma, tanto abierta como subdividida. Esto se logró con un sistema de paneles deslizantes y giratorios, lo que permite que cuando está completamente dividida, se componga de tres dormitorios, baño y salón. Este sistema de paneles genera una gran variedad de permutaciones, cada uno de ellos con su propia experiencia espacial.

Las fachadas son un collage de planos y líneas cuyos componentes están separados a propósito y parecen deslizarse pasando unos de otros. Esto permitió la creación de varios balcones. Como en la silla Roja y Azul, cada componente tiene su propia forma, posición y color. Los colores fueron elegidos para fortalecer la plasticidad de las fachadas, así utiliza superficies en blanco y tonos gris, ventana y puertas en negro, y una serie de elementos lineales en colores primarios.

"La casa Schröder compone una figura compleja y singular. Su diseño canaliza las aspiraciones de la vanguardia plástica y conforma un hito indeleble de la historia artística de la época."

El propio Rietveld, en 1963, escribió sobre la casa: “sin preocuparnos por adaptar de algún modo la casa a las construcciones tradicionales de los Prins Hendriklaan, nos limitamos a unirla a la casa adyacente. Era lo mejor que podíamos hacer: destacarla en un contraste lo más fuerte posible. Lógicamente era muy difícil ajustar esta idea al código constructivo local. Por esa razón, la casa presenta, en su piso bajo, una disposición bastante tradicional, es decir, con sus muros fijos; en el nivel superior, sin embargo, simplemente añadimos un ático, y en el hicimos la casa que queríamos hacer” 

De Stijl, era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis Van Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg.¹

He escogido este artista ya que es un personaje rompedor en la época que vivia, los años 20, después de pasar por estilos "neos" y el modernismo, donde abundaba la ornamentación, todo tipo de paletas de color, estampados y la linea sinuosa; aparecen artistas como Rietveld o van Doesburg, que aportan ideas totalmente diferente y con ideologias opuestas a las vistas anteriormente. Podemos ver como la linea sinuosa se convierte en lineas rectas y figuras puras, los colores modernistas en colores primarios. 

Enfocandome más en los interiores podemos ver como se da  un cambio importante arquitectura tanto externa como interna desde un punto racional y funcional. 

Así pues, creo que este tipo de artistas son los que marcan un antes y un después en la historia del arte y del diseño y por lo tanto me interesaba averiguar más sobre este personaje y su contexto, y a demás me considero muy identificada con todo el manifiesto artistíco que propuso y que podemos reconocer hoy en día en el diseño que nos envuelve.  

Paula Solá

Clase3_Futurismo_Filippo Tomaso Marinetti

 

Futurismo 

 Es el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifieste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de Paris. 

 Este movimiento impulsado por Marinetti buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. 

 El Futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.

 El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista, que publica el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.

«Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio.»

Fragmento del Manifiesto futurista

OPINION PERSONAL : 

Creo que es uno de movimientos con un cambio mas brusco y recto donde se puede notar gran influencia de mentes y de lideres que imponen una corriente y plasman como debe ser ejecutado.  

Theo van Doesburg- Interior Design Concepts

“Without colour, architecture lacks expression and is blind” (Van Doesburg in De Stijl, 1928)

In 1926, Theo van Doesburg; Painter, poet, art critic, designer, typographer, architect, performance artist, co-founder of the De Stijl movement was appointed to transform the cinema/ballroom and Salle de Fêtes.

He used this project to explore his theory of Elementarism, which built upon the concepts of Neoplasticism developed by the Stijl movement of Dutch abstract artists. In addition to flat planes and rectilinear configurations, Elementarism employed inclined planes and relief to activate compositions.Van Doesburg imagined the interior as a ‘house of passage’ in which rooms would be interlinked to create a fluidity which would allow people to watch the films showing in the cinema while outside the room at the bar. In the cinema/ballroom van Doesburg reacts to the orthogonal layout of the room by introducing a diagonal grid which gives the room a dynamic atmosphere. It is believed Van Doesburg's daring introduction of the diagonal into his work was enough to cause a rift between him and his good friend Piet Mondrian. 

Nevertheless, the Salle de Fêtes, in contrast, adheres to a composition of horizontal and vertical lines forming a variety of squares and rectangles.Van Doesburg initially intended to use durable materials for his intervention, however, this proved too expensive and was replaced by materials which would give the illusion of the quality he desired, such as paint. The colour palette is bold, comprising primary and monochrome tones: red, yellow, blue, green, white, grey and black.

A variety of materials are incorporated: concrete, iron, glass, aluminium, rubber, linoleum, enamel, leather, parquet. I think that he used this range of textures in order to create a tactile and diverse environment.

Another important element in his concept is the treatment of lighting which is seamlessly designed into the scheme. A square module of 4ftx4ft is used throughout the design as a ‘building block’ which is multiplied to form the larger shapes. This module fits 16 light fittings arranged in an orthogonal array which can be seen in the Salle de Fêtes. There is no central lighting in the rooms, instead indirect light is drawn from other rooms or outside through frosted glass or from the randomly distributed artificial lighting panels.

In my opinion, he thought that the even lighting enhances the form, texture and colour of the interior design and allows it to be viewed as ‘fixed furniture’. The room is not simply an empty space but more like a sculpture or piece of art.

This intervention is an interesting and successful fusion of art and architecture, using the room as a canvas on which to paint in a strict style and explore the three dimensionality. I admire the detail of the design and holistic approach, van Doesburg designed a typeface specifically for the project for advertising, signage, literature and even coasters. In addition, he also designed all the lighting, ventilation and heating units to harmonise with the grid and guidelines set up by the purist De Stijl approach. The result is a space which is not spoiled by necessary additions but rather enhanced by them as everything is taken into consideration and designed meticulously. 

The reason why I made a deeper research about Teo van Doesburg, is because during last class I was really impressed of what he was approaching interior design related to that period of time. After that, I discovered more about his talent, so I can really say that for me, his work is a masterpiece of interior design.